如何觀看，如何被看。
走進劇場，你選擇安坐享受，還是主動探索？
編舞家李偉能從不甘於滿足觀眾期望。這次由一個人變成五個人，加入對日常人像攝影的新覺察，繼續用最熟悉的身體語言，交織著聲音文字，延續對當代舞和身體運用的思考和實驗。

文：林喜兒
攝：李昊@Junes

延續回聲
雖然這次身份不同，沒有現身台前，不過他所關注的並沒有改變。

李偉能（Joseph）的個人作品《回聲摺疊》首演於2016年，隨後在香港及海外多次重演。要形容《回聲摺疊》，可以很簡單，就是Joseph的獨腳戲。他跟觀眾說話、表演舞蹈、用劇場思考劇場，不過簡單背後卻可以有層層解讀。「文字、身體動作的閱讀和理解，都是我一直感興趣的課題。」四年以來，Joseph在這個方向上不斷探求各種可能性，這次似乎是要更拉開一點，再看遠一點。「同樣是關於身體符號，但究竟應如何組合多個身體，我們又如何閱讀和辨識那些身體符號？所以跟《回聲摺疊》的性質差不多，不過表演者由一變五。」

《回聲二：人為景觀》是Joseph 首個足本作品，大概五十至七十分鐘，而且更與五位不同界別的表演者合作。「有時看其他人的演出，覺得他們很出色，很想合作。除了欣賞外，更想發掘他們另外一面，希望共同發展屬於本地藝術創作的一些語彙。因為一直以來，香港的藝術工作者都是從學院訓練出來，某程度上只是承接了西方的傳統。如果要問本地是甚麼，我們先要創造屬於自己的語彙。」

Joseph在是次演出中，會與五位不同界別的表演者合作，希望發掘他們另外一面，並共同發展屬於本地藝術創作的一些語彙。

買飛入場等同消費？
是以《回聲二：人為景觀》可被視為重新發掘的本土身體語言，人像攝影成了Joseph 是次的創作起點。

作品的英文名Unfolding Images: We are Spectacle(s) 點出了在自拍世代，我們已習慣在鏡頭前展示面容，再配合身體動作，「一直對於身體的still image （定格）有興趣。近年經常思考的是，人像攝影如何影響我們觀看及身體動作。試想想一、二百年前的人是不會有『擺甫士』這回事，繪畫人像頂多就是坐着。」或者我們都沒有意識到，在手機面前的每個動靜，都是一種特定選擇。

「好像V 字手勢，似乎只是亞洲人的習慣。這些從社會建構出來的文化符號，我想觀眾看到後，立即可以辨識出來，身同感受。希望觀眾能在作品中找到一些連繫。」

這也是Joseph所說的貼地性，與觀眾的連繫一直是他的創作核心。表演藝術講求現場感，有觀眾才能成事，但如何看待兩者關係，是否一定是台上與台下，一定要建構大台中心？

「一直希望打破這種狀態。觀眾買飛入場就是要消費你，你是表演給我看；看到台上好勁好厲害，但他們只是被動地坐着觀看。兩者不斷互相孕育這種關係，可是卻存在很大的距離。」

Joseph 說不反對這種模式，只希望帶出多一種可能性。「 現在實在是太方便，在Instagram很易找到跳得好勁的影片，那為甚麼還要到劇場看這些表演，現場是甚麼？ 對我來說，與觀眾溝通是最重要。」

看與被看之間還有想像
溝通是雙向，Joseph 的模式是在啟動觀眾的思維。「作品一開始會有很多重覆的元素，而且維持很久。」

有人說Joseph 從來不怕惹怒觀眾。「觀眾看到此情此景，開始要找東西看和思考，於是變成主動，就是這樣逼出來。其實我很清楚觀眾的期望，但就偏不展示出來。」看與被看之間的關係是怎樣？ 「劇場的第四牆在哪裡？現在某程度上是穿透了。」

經過多次重演，Joseph 說大概已清楚哪些行得通，哪些還有發展空間。「我把上回提出的問題，以另一形式去發問，而且交給其他表演者一起去問。」

疫情過後，劇院重開，Joseph 說更加珍惜現場演出。「現場觀眾的經驗是甚麼，正如我在創作初期想到的real time、 real space、 real body（真實的時間、空間及身體）。劇場是暫時性的一個社群，創作者提供一個方向， 而同時讓觀眾自由地觀看，去啟動他們的想像。一同經歷真的是一件神奇的事。」